文|蔡国胜

4月2日在深圳大学美术馆启幕的“楚歌——全国湘籍中青年油画家作品邀请展”，从开幕当日起便受到了深圳乃至全国美术界的广泛关注。可以说，“楚歌”二字，既是一声来自湖湘大地的历史回响，也是这群湘籍中青年油画家在当今时代的一种精神自况。屈原行吟泽畔的忧思、湘楚文化的神秘诡谲、岳麓书院“实事求是”的经世传统，无一不是指向湖湘文化的底色。

而当这群生于斯、长于斯的湘籍艺术家，以油画这一西方媒介表达自我时，无论他们今天身处何处，他们面临的不仅是技法与绘画语言的选择，更是一种文化身份的确认。深圳“楚歌——全国湘籍中青年油画家邀请展”，汇聚50位湘籍艺术家的49件个人代表之作，在改革开放的前沿阵地精彩绽放，让笔者在内心深处发问，这何尝不是50位湘籍艺术家在他乡结伴回望故土，相拥叩问未来？笔者作为本次展览策展人，试以“望乡”“行吟”“和鸣”三重奏，聆听这场跨越时空的“楚歌”。

望乡：在出走与回望中确认坐标

对于湘籍油画家而言，“乡”不仅是一个地理概念，更是一种文化心理的归属。湖南这片土地，有巫楚文化的浪漫奇诡，有近现代史上“若道中华国果亡，除非湖南人尽死”的血性担当，也有湘西风物的质朴野性。对从事油画创作的艺术家来说，离开故土几乎是必然的选择——或负笈北上，或南下岭南。这种“出走”，既是求学、发展的选择，也是对艺术资源的追逐，或是开阔视野的需要。然而，离开愈远，回望愈切。乡愁，便在这一出一回之间，成为创作的精神原点。

在本次展览中，“望乡”的姿态呈现出两种看似对立却内在统一的“样式”：一者以抽象或观念的方式，将乡愁升华为普遍性的精神追问；二者以具象或写实的手法，在细节的描摹中寄托对故土的深情。

刘可的抽象作品《克莱茵湖》与《无题》，展现了一位理性探索者的精神返乡。作为广州美术学院绘画艺术学院副院长，一位有国际视野的艺术家，刘可绘画的抽象语言早已获得国际认可。然而，在他的作品中，始终潜藏着一种来自故土的精神线索。那深邃的克莱茵蓝，既是西方现代主义的形式符号，又何尝不是湘江水的颜色？《克莱茵湖》中的蓝色块，如一块穿越时空黑洞后显现的宝玉蓝屏，也如大自然凝视人间的蓝色眼眸。艺术家用理性的几何分割与感性的色彩铺陈，在抽象的形式中暗含了对永恒之美的追寻。而《无题》中红绿、黑白的对比与节奏，展示着世界的对立如何在秩序中彼此包容——这种辩证思维，与湖湘文化中“经世致用”背后的哲学思辨一脉相承。值得注意的是，刘可的抽象并非对西方抽象表现主义的简单移植，而是在理性框架中注入东方美学“计白当黑”的智慧，使抽象成为跨越文化边界的通用语言。

如果说刘可在抽象中寻找精神坐标，那么现任广州艺术博物院院长的艺术家罗奇则在虚无笔触中探寻人性的温度。罗奇作品《回来！抑或永远走开》与《我们在彼此的拥抱里升腾》，以淡淡的色调流淌着无穷的意味。画面中的人物仿佛悬浮于时间之外，笔触轻如蝉翼，却又饱含对人性、伦理的思考。罗奇出生于汨罗——屈原行吟之地，这种地缘的宿命，使他的作品天然地具有一种诗性的气质。他关注家庭成员之间细微末节的情感探秘，在虚无的表象下埋藏深情。罗奇的“轻”，不是对问题的回避，而是对生命本质的豁达理解——正如湖湘文化中“宠辱不惊”的境界，在看似随意的笔触中，蕴含着对人性深度的持续叩问。

与罗奇的虚无不同，李海华选择了极度精确的写实。《时代的重叠·江山小景图》以超写实技法表达对社会敏锐的认识。画面中，奶油般光滑的城市建材空间里，残存的传统文化印记成为唯一让人喘息的存在。这位生长在湘乡的曾国藩小同乡，在技法上追求极致的真实，在主题上却触及了时代转型中最核心的焦虑：当现代性以不可阻挡之势席卷而来，传统将安放何处？李海华将这一问题视觉化为“重叠”的意象——传统山水画图式与现代建材的并置，既是对文化断裂的哀悼，也是一种倔强的挽留。在写实的外壳下，包裹的是对文化身份的深层追问。

谢郴安的《你想要的生活》则代表了另一种“守望”的姿态。这位广州美术学院油画系副教授，在严谨的古典技法中透出时代的光感。他1982年生于湖南桂阳，对传统绘画语言的坚守几乎成为一种文化姿态。他的画面如生活的包浆，层层罩染中沉淀着时光的重量。与其说谢郴安在画“当下”，不如说他在用古典的语言为当下镀上一层永恒的光泽。在技术迭代日益加速的今天，这种对传统技法的坚守本身，就是一种文化态度的表达——它提醒我们，在追逐“新”的同时，不应忘记“好”的标准。

张军的《楼兰姑娘》同样在古典语言中寻找当代的节奏。张军长于在古典油画语言中重构造型与色块的秩序，让传统的技法包容层次的细腻与结构的简约。他的作品具有音乐的节奏美——正如《第五乐章》所暗示的那样，画面中的人物仿佛在旋律中呼吸。张军曾与郭润文教授合作创作重大历史题材，其扎实的写实功底毋庸置疑。但在本次参展作品中，他更注重将古典语言转化为个人表达，使传统技法成为通向当代精神的桥梁。

游帅的《他所热爱的生活·8》展现了另一种“望乡”的姿态。游帅生长在洞庭湖畔的南县，从大学时代起就保持着轻松自如的创作状态——造型、色彩莫不如此。这种举重若轻的气质，或许正是楚风的浪漫所在。他的画面没有沉重的乡愁，没有激烈的文化焦虑，而是以一种舒展的姿态，描绘日常生活中的诗意瞬间。游帅的“轻”，与罗奇的“轻”形成了有趣的呼应——二者都在看似不经意的笔触中，传递出对生命本质的豁达理解。

谭杰的作品曾获中国美协“金陵百家”金奖，被中国美术馆收藏。作品《唤起记忆的歌》则直接以“记忆”为主题，围绕着对过往时光的追忆，关注他赖以生存的环境。他画面中的意象来自最平常的视角，具体而非经典、唯美，如同被时间洗刷过的底片，模糊而温暖。这种对记忆的唤起，正是“望乡”最直接的情感表达。在谭杰的作品中，我们看到了一种将个人记忆升华为集体经验的努力——那些模糊的影像，既是画家个人的乡愁，也是整整一代人共有的精神图景。

行吟：在媒介与心象间摆渡

“行吟”二字，既是对屈原艺术生涯的致敬，也象征着艺术家在媒介与心象之间的持续探索。油画作为舶来品，如何转化为表达中国文化心性的有效媒介？这是几代中国油画家共同面对的问题。对于湘籍油画家而言，这一问题更具挑战性：湖湘文化中的浪漫、野性、神秘、刚烈，如何与油画的语言系统相融合？参展艺术家们以各自的实践，给出了多元的答案。这些答案大致可以归纳为三种路径：一是“以西纳中”，即熟练掌握西方油画语言后融入东方审美；二是“以中化西”，即从东方美学出发改造油画媒介；三是“跨界融合”，在综合材料与跨媒介实践中寻找新的可能。

姜向东的《南方的河之二》《南方的河之三》代表了“以西纳中”路径的典型探索。姜向东籍贯浏阳，长在湘潭，现为湖南省美术家协会油画艺术委员会主任、湘潭市美术家协会主席。他近年探索用造型、色块重构南方山水，让南方山水更加凸显诗意。他用平面和线条重建自己心中的山水，其作品既具个性语言，又暗合南方自然的共性，逐渐生长成南方风景的独特IP。姜向东的探索意义在于：他没有抛弃西方油画的语言体系，而是在熟练掌握造型、色彩、空间等西方绘画要素的基础上，注入中国山水画的意象思维。他的画面中的河流，既是具体的南方水系，也是心中流淌的诗意——在平面化的处理中，我们看到了八大山人的空灵；在色块的构成中，我们又读到了塞尚的结构。这种“以西纳中”的路径，代表了湖湘油画家的主流选择：不拒绝西方，但也不盲从西方，而是在对话中确立自己的文化立场。

胡大虎的作品则体现了湖湘油画家对“在地性”的自觉追求。这位中国美术家协会会员、湖南省当代油画院学术委员会副主任，作品曾入选第十一届、第十二届全国美展。他的创作始终扎根于湘潭这片土地，在齐白石、王憨山等湖湘先贤的文脉中寻找当代油画的表达可能。胡大虎的作品中，我们可以看到一种将文人画的书写性与油画的塑造性相融合的努力——笔触既是造型的手段，也是情感的表达；色彩既是物象的再现，也是意境的营造。这种融合，不是简单的“中西合璧”，而是在深刻理解两种传统后的自由创造。

杨尧作为本次展览中资历最深的前辈艺术家，其创作代表了“以中化西”的另一种可能。1941年生于常德的老艺术家杨尧，曾任广州美术学院油画系主任，现为中国油画学会荣誉理事。他的参展作品《绿映山村》《金秋》体现了学院派老一辈画家的扎实功力与朴素的情感。轻松、概括的笔触是对自然的咏叹，对四季的抒怀。杨尧的意义在于：他用一生的创作实践，证明了油画可以成为表达中国审美理想的完美媒介。他的画面中没有西方油画的厚重与悲怆，而是洋溢着东方美学特有的空灵与诗意。在杨尧的作品中，油画不再是“他者”，而成为与水墨、书法一样得心应手的表达工具。这种“以中化西”的路径，代表了老一辈油画家的文化自信——他们用毕生的探索，证明了油画语言完全可以承载中国文人的精神追求。

王文明的作品《浮尘》《世纪美人》则代表了“跨界融合”的路径。这位湖南邵阳籍艺术家，曾任广州美术学院版画系主任，其创作跨越版画与油画两个领域。这种跨媒介的背景，使他的油画呈现出独特的语言特征——在抽象表达的肌理堆砌中，解构生活的烦琐与无奈，同时从中获得轻松与满足。王文明对世俗的表现没有功利的审美，而是在抽象的构成中寻找精神的自由。他的作品提醒我们：在媒介日益多元的今天，画种的边界正在模糊，而正是在这种模糊地带，新的可能性正在生长。

段俊豪的《微光》展现了媒介探索的另一种可能。1985年出生于湖南的青年艺术家段俊豪，现就职于佛山市艺术创作院。他的作品以静谧的光影著称，在看似简单的画面结构中，蕴含着对油画材料特性的深度挖掘。《微光》中的光，不是自然主义的再现，而是一种精神性的存在——它来自画面内部，仿佛是从物质深处生发出来的灵晕。这种对“光”的东方化诠释，正是“媒介与心象”摆渡的典型例证。段俊豪将西方油画的光影传统，转化为东方式的空灵与禅意，在物质与精神的边界上，寻找着新的表达可能。

蔡猜的《海边往事》则将学院主义严谨的素描色彩训练与后印象派的审美彼此渗透。湘妹子蔡猜2015年研究生毕业于中国美院油画系，2018年考入天津美术学院任教师，从事绘画教学已有8年。教学之余的创作，映照她对海滩、冲浪的热爱，在画布上释放出一个时代青年的内心炽热，仿佛带给我们梦幻般的电影感。三幅并置的画面，如同一组长镜头，记录着时间在光影中的流逝。蔡猜用西方的绘画语言，表达着属于这个时代青年的生命体验——这种体验没有地域的界限，却又暗含着她作为湘籍艺术家的敏感与热烈。

康勇峰的《浮空》与《真珠》体现了持续二十年思考的深度。这位1979年出生的湖南人，现为天津美术学院副教授。他是一位思想者，对于社会、对于绘画本体的思考都是深邃而含蓄的。他忌讳肤浅的炫耀甚至表达，作品是他思考的“截屏”。在《浮空》中，物象仿佛脱离了重力的束缚，在画布上自由漂浮——这种“浮”，既是对物质世界的超越，也是精神自由的视觉隐喻。康勇峰用油画这一沉重媒介，表达了轻逸的精神追求，在媒介的“重”与精神的“轻”之间，形成了富有张力的对话。

黄胜贤的作品《高原苍茫》则展示了“以西纳中”路径的另一种成果。从益阳职业美术高中走出来的艺术家黄胜贤，是一位油画的垦荒者。围绕油画这块外来艺术的沃土，他像一位诚实的农夫，对待造型、色彩乃至各种技法，没有丝毫讨巧。他用西方的艺术语言讲好中国故事——从《理塘汉子》到各类藏族同胞及广袤中原的普通劳动者，他的油画语言是西方的，情感却是中国的。黄胜贤的探索告诉我们：油画语言的“中国化”，不在于表面的符号移植，而在于情感的真诚表达。当一位中国画家用西方的工具画出中国人的情感时，油画自然就成为中国的油画。

张振江的《山·相》系列，在抽象而纷繁的材料与色彩融贯中显现中国绘画的图式与人文精神。这位中央美术学院博士、广州美术学院教授，以综合材料的手法呈现唐代禅宗大师青原惟信“看山是山，看山不是山，看山还是山”的三重境界。他的作品超越了油画媒介的边界，将水墨精神、材料实验、抽象构成融为一体，是“行吟”于东西方艺术之间的深度探索。张振江的意义在于：他以综合材料的方式，打破了画种的界限，在更广阔的艺术领域中寻找表达的可能性。

孟后均的《幽香25-3》体现了一种开阔的视野。多年来，他用明快而书写的色彩，沿袭中央美院第三工作室的传统，表达个体而普通的人与社会的融合与冲突。他的视角是平实的，色彩是真实的，造型中包含社会的叙事，不居高临下，却把人置身其中。而《幽香》系列是他视角的突变——在局部的、不经意的视角和对幽微生命体的观察中，植入生命的生动与敏感体验。这种从宏大叙事向微观观察的转向，正是艺术家在媒介与心象之间不断摆渡的证明。

上海美术学院青年教师游迪文的《矩系列NO.7》《矩系列NO.8》展现了咬定青山不放松的探索精神。1988年生于湘潭的青年艺术家迪文，国美研究生毕业前便确立了自己的创作方向，十余年来不断深究。他的画面上呈现的是不断抹去重来，在色彩与结构的层层叠叠中显现秩序与精神力量。矩系列的“物语”，其实是艺术家内心的独白——在理性结构的框架下，涌动着感性的暗流。

欣赏出生邵阳于轶文的作品《父辈·秤》与《回望》，便知他是位将创作植根于泥土的艺术家。现为湖北美术学院油画系系主任的于轶文，从创作伊始就钟情乡土，关注农村底层生存。变化的是他的绘画语言——不断使画面纯粹，加强结构的力量，同时赋予表现对象更强的感染力。在于轶文的作品中，我们可以看到湘籍艺术家特有的底层关怀，以及对土地与劳动的朴素情感。

和鸣：在当代语境中激荡回响

“和鸣”不仅是艺术家之间的对话，也是传统与当代、地域与全球、个体与时代之间的共振。作为当代艺术家，湘籍油画家们不仅要回应湖湘文化的传统，更要面对全球化、城市化、数字化等当代命题。他们的创作，是在多重语境中寻找属于自己的声音。当这些声音汇聚在一起，便形成了一场跨越时空的“楚歌”。在当代语境的激荡中，湖湘油画家们的创作呈现出几个值得关注的趋向。

其一，是对“历史厚度”的当代转化。黎青的《故园》以厚重的综合材料作画面底料与轻薄颜料流动及轻扫笔触的对比，营造出故乡的梦幻与记忆。作为湘潭大学艺术学院院长，黎青在学术与创作之间保持着平衡。他的《故园》不仅是个人记忆的再现，更是对“故乡”这一文化母题的当代诠释。观者的视觉是柔润轻盈的，而心底的感触一定是厚重的——这种反差，正是当代人对故乡复杂情感的真实写照。黎青将材料的物质性转化为精神性，使综合材料不仅仅是媒介创新，更成为表达文化记忆的有效手段。

刘文伟的《劳动者之二》用书写的笔触、富有光感的色彩，将新时代工人形象表现得无比朴实、自信。中国美术家协会理事、珠海市美术家协会主席刘文伟的作品，体现了主旋律创作与个人艺术表达的有机结合。他笔下的劳动者不再是符号化的形象，而是有血有肉的个体，在劳动中焕发出尊严与光彩。刘文伟的探索告诉我们：现实主义在当代依然具有强大的生命力，关键在于如何以真诚的态度面对生活，以精湛的技艺表达时代。

其二，是对“地域经验”的全球化表达。蔡国胜的《碧江如练·阳朔》与《崇左晨光》，虽然是广西的风景，其实都是他对家乡的移情。他以为心中的自然应该是万象而包容的，是人化的自然。他在创作中追求用干练的用笔、含蓄的色彩、讲究的造型表现对象，在风景画面中洗净世俗的尘埃，寻找精神的栖息之地。他在西方写实传统的基础上，融入东方审美的空灵与意境，使呈现的作品在两种美学传统之间共生“和鸣”。他在探索实践中认识到：地域经验只有在全球化的语境中才能获得更广泛的共鸣，而全球化表达也需要地域经验的支撑才能避免空泛。

曾传兴的《红尘回望》延续了他多年的“纸新娘”系列。这位湖南师范大学美术学院副教授，以超写实的手法探讨当代婚姻的命题。“纸新娘”既美丽又脆弱，既传统又当代——这一意象的多义性，使其成为探讨当代中国社会转型的视觉符号。《红尘回望》是他少有的特写视角，浓缩了“纸新娘”对当下的焦虑与困惑。曾传兴以精湛的写实技巧，在视觉愉悦的表象下，埋藏了对社会现实的深刻思考。他的作品提醒我们：当代艺术的“当代性”，不仅在于形式的新颖，更在于对时代命题的敏锐回应。

其三，是对“文化基因”的创造性激活。吴啸海的《俯视地面》《平视地面》是对影像的解构，蕴含了他对生活的判断与解读。这位1972年出生在浏阳的艺术家，现为中央美术学院修复学院副院长（主持工作）、教授，曾被评为“2008年度全球十位最具潜力的艺术家”。他的绘画视角及学术态度既隐含俯视的全局观，也融入了平视的亲近感，因而作品既有我们熟悉的成分，又有我们对未知的憧憬。吴啸海同样是一位具有国际视野的艺术家，他的创作跨越了绘画、装置、影像等多种媒介，在当代艺术的国际语境中，表达着来自中国的、来自湖湘传统的文化立场。

章作人的《苗族风情系列》有如波斯地毯般的斑斓美艳。这位国家艺术基金评审专家，走出古典的视野，在纳比派画家维亚尔、博纳尔的作品中发现了自己。他在少数民族风情中寻找秩序与色彩，将西方现代主义的色彩理论与湘西民族文化的视觉元素相融合，创造出一种独特的绘画语言。章作人的探索意义在于：他没有将少数民族题材视为“异域风情”的猎奇，而是从中寻找可以转化为当代艺术语言的秩序与色彩。

刘成的《向海而生》用楚国的浪漫情怀再现了北海渔民的狡黠与勤劳。1983年出生的艺术家刘成，靠勤工俭学在湖南师范大学美术学院读完大学，今天成长为广西美术家协会副秘书长。他与北海有着天然的缘分，在北海画院找到了属于大海的、渔村的野性、粗粝的绘画形象和造型、色彩呈现方式。刘成的作品体现了湘籍艺术家在异乡的扎根与生长，将湖湘文化的浪漫基因与海洋文化的野性力量相融合。他的创作告诉我们：文化基因不是封闭的，而是在与其他文化的对话中不断激活的。

陈曦的《秦腔之二》与《秦腔之三》，展现了中央美院与列宾美院双重学习经历的融合。陈曦出生于平江，尽管现已定居甘肃兰州，故乡的一切是她切不断的牵挂。她的色彩与造型映照了敦煌壁画与俄罗斯壁画的传统，在两种文化的交融中隐含着泥土的芬芳。陈曦在有着历史厚重感的泥土上回望故乡，将湖湘文化的精神基因带到了大西北，在秦腔的高亢与湘楚的浪漫之间，找到了属于自己的声音。

黎柯汝的《和弦绿茵地》与《斑马线》以抽象的语言表达都市生活的节奏。这位改革开放早期毕业于湖南师范大学美术学院的艺术家，在创作中他会下意识将开放视为一种时代的叙事，从而将城市的符号——绿茵地、斑马线——转化为富有音乐性的抽象画面。在看似冷静的几何构成中，隐藏着对都市生活的诗意解读。黎柯汝的作品体现了湖湘油画家对“都市经验”的回应——当越来越多的湘籍艺术家进入城市生活，如何表达都市经验成为新的课题。

林志军的《体·会·2#》通过撷取军队生活的典型性瞬间，表达了对AI时代现代化战争的警觉与判断。这位军队作者，用饱满的、特写的视角，凸显军人如长城般的气质与力量。他的标题极具思考性——“体·会”既是对身体的关注，也是对时代的领会。在技术飞速迭代的今天，林志军以绘画的方式，思考着人的位置与价值。他的作品提醒我们：当代艺术不仅要关注形式创新，更要对时代命题做出回应。

周章科的《天地野奔》展现了东西方两种文化的熏陶。章科1982年出生，毕业于俄罗斯列宾美术学院，现为西南林业大学教师。他的作品既现实又魔幻——现实是他能直面时代，魔幻是他在表达内心的憧憬与思考时，敢于突破常规的叙事逻辑。《天地野奔》中的意象奔放而自由，如同楚辞中的瑰丽想象，在当代艺术的语境中获得了新的表达。

彭毅的写意不是稀薄颜料的逸笔草草，而是以厚重凸显轻盈。《远处的风》系列之二画面中凝重色块的层层叠加及抽象意味的形象，带给我们的视觉感受是：一场山雨下过，似乎山风此刻正在此停留，让人快意顿生。湖南工业大学副教授彭毅的风景画不求具体形象的再现，而是追求气韵生动的东方美学。在油画及综合绘画媒介中，他力求承载中国山水画“远取其势”的审美理想。

石强的《滑动》《细音》以一种独一无二的旋律般的抽象语言，包含了丰富的情感与哲思。石强是“85美术新潮”的积极参与者，曾获第七届全国美展油画银奖。二十多年来，他从未停止创新——既是观念的，也是形式的。近年回归抽象画创作的石强，在看似纯粹的色块与线条中，埋藏了对艺术本质的持续追问。石强的创作历程，本身就是中国当代油画发展的一个缩影——从写实到表现，从具象到抽象，他的每一次转向都回应着时代的命题。

陈晓声的《寂·空间》与《余烬》等油画作品，仿佛画面总是浸透了南方的雨。毕业于湖南师大美术学院的艺术家陈晓声，无论是人物还是风景作品，其色调与笔触总是润泽和轻柔的，像是被南方的雨水洗刷过。他的作品造型精准，色彩高级灰，似乎是拨开历史迷雾后的真相。陈晓声的作品将瞬间凝固，让时间在画布上停驻，体现了湘籍艺术家特有的细腻与敏感。

“楚歌”二字，是这群湘籍中青年油画家的精神自省与文化皈依。在出走与回望之间，他们确认了自己的文化坐标；在媒介与心象之间，他们摆渡于东西方艺术传统之间；在当代语境中，他们的创作激荡出属于这个时代的回响。这场在深圳举办的邀请展，对参展的湘籍艺术家来说，既是一次集体的精神返乡，也是他们一次面向未来的湖湘文化追问与远航。

纵观本次展出的五十位艺术家的作品，我们今天可以清晰地看到湘籍油画家所探索的“湖湘油画”三条发展脉络：以曲湘建、李陈辰、刘亚江、孙慈、李罗、杨勃、刘伟、刘刚毅等为代表的艺术家，以扎实的写实功底和对东方美学的自觉追求，为“湖湘油画”奠定了坚实的基础；以石建军、徐立承、周远屹、吴忠光、赵墨等为代表的艺术家，在多元的探索中拓展了“湖湘油画”的语言边界；以彭关、何净、张侠、高山等为代表的艺术家，则在全球化语境中努力寻找着属于自己的声音。三代湘籍艺术家同场展出，既是传承，也是对话。

湖湘文化的血脉，在这些画家的作品中以不同的方式延续着——杨尧的空灵意境、王文明的跨界融合、吴啸海的写实与隐喻、刘可的理性与秩序、罗奇的诗性与虚无、康勇峰的深邃与梦幻、谢郴安的古典与当代、张军的节奏与秩序、姜向东的诗意重构、胡大虎的在地表达、游帅的轻松与自如、徐立承的豁达与自由……他们以各自的方式，在当代艺术的星空中，发出属于湘籍艺术家的光芒。

“楚歌”的未来之音我们仿佛依稀听见，是因为我们今天看到，这次参展的湘籍艺术家在传统中找到了根基，在当代艺术语境中找到了自己独有的语汇，在个体表达中承载了湘人的记忆与梦想。楚歌不绝，薪火相传。当他们的作品在深圳大学美术馆的展厅中并置呈现，我们听到的不仅是个人的独白，更是一代人、一个地域的文化共鸣。这共鸣，将穿越展厅，在更广阔的时间与空间中激荡回响。

责编：刘瀚潞

一审：刘瀚潞

二审：易禹琳

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来源：湖南日报·新湖南客户端